ñañez

Ministro Ñáñez: Irán dio un golpe contra la guerra cibernética que propicia Israel

Militares de la República Islámica de Irán ejecutaron un impacto sobre la torre de Microsoft, ubicada en la ciudad de Tel Aviv, capital de Israel, acción que constituye “un golpe importante en la guerra cibernética que propicia Israel (contra el pueblo iraní)”, señaló el vicepresidente Sectorial de Comunicación y Cultura, Freddy Ñáñez, en el programa, Cable a Tierra, que se transmite por la emisora VTV Radio 99.5 FM.

“Hay que decirlo Microsoft es la empresa que más apoya con tecnología letal a Israel y lo ha apoyado para el exterminio en Palestina, al igual para esta guerra que ha iniciado contra la República Islámica de Irán”, resaltó el también ministro del Poder Popular para la Comunicación e Información.

Ante lo señalado, el ministro Ñáñez precisó que es importante entender que la tecnología que se tiene en primera mano no es neutral, dado que detrás de estas, hay un capital e interés, que en la actual era digital en el pasado iniciaron como  tecnología militar, de guerra.

Recordó que recientemente fue prohibido el uso del WhatssApp debido a que por este medio digital, funcionarios de inteligencia iraní detectaron los objetivos para arremeter contra mártires iraníes que fueron asesinados. “Ese golpe que se da a la empresa Microsoft tampoco es gratuito, se trata de un epicentro de la guerra tecnológica”, acotó.

Vale recordar que la empresa  Microsoft bloqueó los correos electrónicos de sus empleados con las palabras “Palestina”, “Gaza” y “genocidio” en medio de denuncias del apoyo de la compañía a Israel. La compañía tecnológica se ha visto sacudida por protestas de sus propios empleados, debido a la colaboración con el ejército y el gabinete israelí, en medio del genocidio contra los palestinos, información que fue difundida por el portal web Hispantv.

F/VTV
Calzadilla

Calzadilla fue coherente: Poesía, arte y política…un trío transformador


Esto podría leerse como algo muy personal, y lo es. Juan Calzadilla falleció este domingo y con su muerte volvemos a leer sobre su vida, sobre el Techo de la Ballena, sus palabras, su quehacer político, sus versos y sus dibujos. Y se nos vuelve a plantear, de frente, ¿Cuál es el papel del arte? ¿De la poesía?  Y esto es algo que atravesó siempre el trabajo de Juan Calzadilla.

Y entonces, quise escuchar una entrevista que le hizo la emisora Alba Ciudad 96.3 FM en la Feria Internacional del Libro el pasado 19 de julio de 2024. Todavía con más de 90 años, Calzadilla volvió a destacar que, «la poesía, sobre todo la poesía de hoy, es muy reflexiva. No es una poesía escrita para lucirse o para salir del paso, sino para que se piense».

Ya con estas palabras tenemos señalado el sendero: en tiempos que el nublar la mente, vivir en medio de lo reiterativo o frases huecas y, en donde lo superfluo está siendo publicitado como lo primordial para la vida, Calzadilla observa nuevamente el impacto de la poesía actual para pensar.

Pero no solo para pensar, aprovechó la entrevista para recordar la función de vida -según él – de la agrupación poética, política y de arte denominado el Techo de la Ballena, que se formó en la década del sesenta del siglo XX.

«El Techo de la Ballena es una etapa, mía, y de algunos de los que me acompañaron en esta aventura…una agrupación que fue estética, literaria y artística al mismo tiempo y, que tenía una razón política para actuar – recordó – y que es más conocida por los libros que publicó que los manifiestos políticos que sacó».

«Algunos de los miembros del Techo no tenían una conciencia política clara y terminaron en embajadas del gobierno que se combatía», pero a pesar de esas contradicciones, Calzadilla resalta que «el Techo hizo ese milagro de llevar el arte y la poesía y que esta se trenzara con la política».

Aunque la propuesta duró solo 7 años, «en ese tiempo sacamos más de 500 artículos, manifiestos y posicionamientos políticos en torno a lo que ocurría en Venezuela y en el mundo».

Se puede resaltar toda la obra poética y de arte de Calzadilla, pero lo que deseo destacar es que siempre fue un ser político, en el sentido de que quería actuar sobre la realidad para transformar, y en ese actuar, el arte, la poesía, lo estético – para él – ejercen su papel transformador.

Los manifiestos

Hay una respuesta de Calzadilla que narró algo que desconocía, fue en otra entrevista que le hizo Larry Mejía y que fue publicada el 7 de enero del 2020, que muestra las intenciones inequívocas de querer hacer pensar.

(Extracto de la Entrevista)

En su Antología de El techo de la ballena, (Monte Ávila Editores. 2008) hay un manifiesto firmado por artistas, pintores e intelectuales de la época. ¿Cómo hicieron entonces para dar a conocer el movimiento por fuera de Venezuela, cuando la tecnología no estaba tan presta para estos canales de comunicación. Los tomaba en serio a los balleneros la prensa de entonces? ¿Lograron el impacto que deseaban?

(Juan Calzadilla) Tú te refieres al manifiesto  de 1964 que un grupo de escritores surrealistas, europeos y latinoamericanos, firmó condenando la posición reaccionaria de la Conferencia Episcopal contra el Techo de la ballena por haber  traducido y publicado en su Rayado no 3  los juicios contra dios, (incluso de Sade y  Breton) que aparecieron en el catálogo de la exposición de Jorge Camaño en una Galería de París “Para aplastar el infinito” (Homenaje a Oscar Panizza).  Fue el ataque más grande que a grupo alguno de intelectuales se le hiciera en toda la historia de la literatura latinoamericana…

Depende  de qué tipo de prensa se hablaba y del grado de atención que estaban los medios  dispuestos a prestar a un acontecimiento  que se consideraba intruso y sin mayor interés para la burguesía de aquel momento.  Cuando se analizaba políticamente la irrupción del acontecimiento El techo era visto  inmediatamente con gran interés por la prensa  de izquierda y por supuesto se lo destacaba como hecho noticioso. Mientras que la prensa de derecha lo silenciaba.

Solo me puedo imaginar lo que fue para ese momento publicar los juicios contra Dios. Menos mal que existen las entrevistas a Calzadilla. Más difícil que se pierdan estas historias, que son la historia de América Latina, y de este grupo que se reunía en Caracas, pero se leía más allá de nuestras fronteras.
Creo que hay que volver a leer Los manifiestos. Leer su vitalidad, sus propuestas, su momento. Homenaje a la Cursilería o el Homenaje a la Necrofilia….entre tantos otros…y pensar para seguir tomando acción.

La amistad

Hay un último detalle , Juan Calzadilla también fue amigo, supo hacer valer un bien preciado siempre, que es la amistad. En esa entrevista en la Filven del 2024, quiso hablar de un amigo: Aquiles Nazoa.
«Murió de un modo horrible, aplastado en su carro, aplastado por una cisterna de gasolina, totalmente triturado. Iba para Puerto Cabello, donde tenía una novia y esa era su felicidad…que gran tipo era».
Creo que esta es otra dimensión de Calzadilla que quiero recordar, el amigo, que recuerda al amigo.
Y así, creo que todos los que hemos leído sus palabras, en entrevistas, o trabajaron con él, compartieron o solo lo soñaron… podemos recordar al amigo, ese que fue coherente, ese que también recordó a su amigo.
Y decir: «Que gran tipo era».
T/CO – Ana Maneiro
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Presidente Maduro confiere nacionalidad venezolana post-mortem a Rubby Pérez

El presidente de la República Bolivariana de Venezuela, Nicolás Maduro, confirió la nacionalidad venezolana post-mortem y la Orden José Antonio Abreu al músico dominicano de merengue, Roberto «Rubby» Pérez, quien falleció el pasado 8 de abril debido al trágico siniestro por el colapso del techo de la discoteca Jet Set, ubicada en República Dominicana.

La hija del músico, Zulinka Pérez, fue quien recibió los honores en representación de su padre. «Aquí está el documento de la orden, es un homenaje a Rubby y te coloco a ti la Orden del maestro José Antonio Abreu, el más grande músico, constructor del Sistema de Orquestas», indicó el mandatario venezolano a Zulinka.

Por su parte, la hija del merenguero, expresó su gratitud al mandatario venezolano e indicó «que mi papá anhelaba esto, porque él decía ‘mami, tú vas a amar Venezuela, los vas a amar como ellos me amaron a mí, esa es mi segunda Patria’».

«Venezuela es la Patria de ustedes», le respondió el presidente Maduro a Zulinka, además de resaltar «la música y el amor de nuestra cultura, nuestra identidad, es muy fuerte la identidad nuestra como caribeños», concluyó el jefe de Estado. Por otra parte, la hija del cantautor recibió la cédula de identidad destinada a su padre, y designada por el número 37.174.014.

F/VTV
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Luto en Venezuela por fallecimiento del maestro de la palabra y el color Juan Calzadilla

Este domingo, las artes literarias y plásticas se vistieron de luto tras la partida física del poeta, artista plástico, crítico literario, Juan Calzadilla, en la ciudad de Caracas, informó el vicepresidente Sectorial de Comunicación y Cultura, Freddy Ñáñez en sus redes sociales.

“Con mucha tristeza despedimos al gran Juan Calzadilla, poeta, artista plástico, crítico literario. Justo el día del padre nos deja un gran venezolano con una obra que nos acompañará para siempre. Ahora Juan es su palabra viva.  ¡Hasta cada rato maestro!”, reseñó Ñáñez.

Juan Calzadilla fue un destacado intelectual venezolano, nacido en Altagracia de Orituco en 1930 y quien en vida fue reconocido por su multifacética carrera como poeta al publicar más de veinte títulos de poesía, por lo que fue considerado una de las voces fundamentales de la poesía venezolana moderna.

Por su parte, como pintor y dibujante; su obra plástica, a menudo ligada a su escritura, ha sido exhibida en diversas exposiciones individuales y colectivas. Recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Venezuela en 1996.

Del mismo modo, en su faceta de crítico de arte e historiador, se inició en el periodismo y la crítica de arte en 1955. Escribió obras esenciales para comprender el desarrollo de las artes plásticas en Venezuela.

Como promotor cultural, se conoce que fue cofundador del grupo «El Techo de la Ballena» (1961) y de la revista Imagen (1984). También fue tallerista literario, conocido como «el duende de los talleres» por su labor con jóvenes venezolanos.

Estudió letras y filosofía en el Instituto Pedagógico Nacional y en la Universidad Central de Venezuela y a lo largo de su carrera, recibió importantes distinciones como el Premio Nacional de Artes Plásticas (1996), el Premio León de Greiff (2016) y el Premio Nacional de Literatura (2017).

F/VTV
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Venezolana llegó a las semifinales del Campeonato Mundial de Slam Poetry México 2025

La presencia de Venezuela volvió a sentirse con fuerza en el World Poetry Slam Championship 2025 (Campeonato Mundial de Poesía Slam) que se llevó a cabo en Ciudad Juárez, México, a principios de junio, en el marco de la Feria del Libro de la Frontera.

Ance Jesús Zamora Maneiro, venezolana, quien ganó el Poetry Slam Costa Rica 2024, formó parte de los 21 poetas, a nivel mundial, que llegaron a semifinales de esta vertiente performática de la poesía hablada.

La primera ronda de este campeonato Mundial se dio en cuatro llaves de 10 participantes cada una, y de ahí surgieron los 21 semifinalistas, entre los cuáles se encontraba Ance Jesús.

Los resultados de las ronda de semifinales dieron como finalistas a les representantes de Ghana, Kenia, Estados Unidos, Japón, Chile, Canadá (Inglesa), Colombia, Puerto Rico, Argentina y Sudáfrica.

Ance Jesús que representó a la comunidad de Slam Poetry de Costa Rica, por que fue en San José que ganó la final para participar en el Mundial, quedó en el puesto 11 compartido con la representante de Alemania y Eslovaquia.

«Ya hay una diáspora estadounidense-latina, y ya se está hablando de una diáspora latinoamericana. Estamos marcados, como especie, por muchas migraciones y, parte de lo que se quería representar en esta IV edición del Campeonato Mundial era que representas al país y a la comunidad en donde ganastes, pero puedes representar varios pueblos, porque el país donde ganamos no cubre nuestra identidad sino que nuestra identidad es mucho mas…estamos a favor de la humanidad», expresó Ance.

«Al llegar a Ciudad Juárez me identifique como representante de Costa Rica y Venezuela, pero mi vivencia está marcada por la migración. Una parte de mi vivencia, no quita a la otra parte y mi poesía esta permeada por ambas. Al igual que muchos otros poetas que están en condiciones similares. Es un placer haber ido como representante de Costa Rica y Venezuela, ya que el proceso para sacar la visa de México imposibilitó que el ganador de Venezuela, Sara Noel, con quien nos apoyamos mutuamente, llegara al Mundial. Soy venezolana y costarricense al mismo tiempo, y he tenido que lidiar con xenofobia y eso permea la piel, la poesía y la vivencia».

Diálogo poético y necesario con Alí Primera

Uno de los poemas que presentó Ance Jesús en el Mundial fue La Patria es el Hombre, Muchacho.

«El poema que más quería representar es uno que lleva más de una década evolucionando, pariendo y que representa más la vivencia  de la feminidad  y, aclaro, amo la música de Alí Primera pero hay una contradicción clara y violenta en su misma lírica cuando dice que la patria es el hombre, y se lo dice a los muchachos y eso: ¿Dónde nos ubica a nosotras? (las muchachas). Alí, me estas invisibilizando, ¿por qué me invisibilizas? Eso es lo que quería decirle a Alí. Lo doy todo por la patria, pero, ¿dónde estás tu conmigo? Con decirle esto a Alí Primera no le quito nada de lo bailado. Lo que decimos, las canciones, los poemas, necesitan evolucionar y otras generaciones llegarán también a criticar y dialogarán con mis poemas, eso nos nos hace mayores o menores, todos debemos ser susceptibles a la crítica, mas que constructiva, amorosa».

«En el poema trato de volver mi experiencia personal en una experiencia global, una compartida por todas y lo pude llevar al mundial. Y fue un poema amado, así como ame todos los poemas que se presentaron», agregó.

LA PATRIA ES EL HOMBRE, MUCHACHO

Una soy y
La patria es el hombre muchacho.

Una está sola, abnegadamente sola. Virginalmente sola. Jodidamente sola.

Una aprende a sentir asco del amor recibido, asco de una misma.

Una quiere culpar a los hombres como para dejar de culparse a una misma.

Una no quiere conocer lo que es la denuncia.

Una se cansa de pelear por causas que no la protagonizan a Una. Y se siente egoísta.

Una quiere apagar todas las luces para no verse las cicatrices y termina volviéndose un mueble más de la casa que ni siquiera es propia.

Una quiere llamarse sobreviviente. Y termina llamándose odio.

Una se siente sola. Inconmensurablemente sola.

Una siente lo que todas pero lo habla con ninguna.

Una quiere que nadie le crea.

Una se siente culpable de pensar en femenino y expresarse en masculino.

Una se depila, hace dieta, se corta las uñas, las cejas

Una ya no encuentra partes que arrancarse

Una prefiere tomar y fumar y olvidar.

Una prefiere llorar callado a hablar con miedo.

Una ya no habla con las demás. Una se siente competir. Una siente abandono

Una teme quedar sola.

Una está enojada, rabiosa y no entiende con qué.

Una necesita feminismo y ni sabe lo que eso significa.

Una a punta de ser acusada de exagerada va diciendo cada vez menos, va quedándose callada, negociando la vida propia.

Una,
Contra toda evidencia
no encuentra derecho a tener miedo, a trabajar sola o viajar sola o vivir sola.

Una se queda sola con el miedo

Una se siente un basurero de semen, sangre, gritos, vejaciones y no encuentra forma de reciclarse.

Una teme quedar preñada.

Una se sabe sucia, puta
Y una trata de correr

De escapar de todas las mujeres para no vivir lo que viven
o escapar para que no vivan lo que una vive.

Una es fuerte. Una tiene manos fuertes de lavandera.

Y sin embargo la pegan contra el piso. Una carga el sifón de agua al hombro y juras nunca más permitirlo.

Y a una la vuelven a pegar al piso. Una se maquilla los golpes y se pega al silencio.

Una quiere embarrarse en sangre menstrual buscando en ella la hostia de la carne de las hermanas que murieron por ninguna.

Una acepta que todas significan menos que cero.

Una se cansa de que le cuestionen la autoría.
Una se ha pasado la vida creando
Se arranca el pellejo creando y creando y al final no existe

Una sabe que lo que hizo mal fue nacer y una quiere morir

La patria es el hombre, muchacho.

Una está aquí, exigiendo unas bocas que le llamen existente

Amor, libre, lindo, riendo, AMOR

 

El lema del Mundial de Slam Poetry

Describiendo el ambiente y el sentir de esta comunidad de poetas performáticos del mundo, Ance explicó que «desde Abya Ayala, en todas sus ediciones, nuestro lema es: el punto no son los puntos, el punto es la comuna».

En ese sentido, para esta joven poeta venezolana fue «un honor haber estado con poetas de primerísimo nivel y poder presenciar la victoria total de África, sus palabras y sus vivencias resonando, necesarias para todes.

Este Campeonato Mundial de Slam Poetry tuvo a King Yaw de Ghana en primer lugar, Dominion de Kenia en segundo lugar y Ed Mabrey representando a la comunidad Afro de Estados Unidos en tercer lugar.

«No es secreto para nadie que África, en todos los sentidos, ha sido el continente más maltratado, violentado, de la peor forma posible, y escuchar voces tan fuertes, tan orgullosas, desgarradoras, pero vivas y apostando por su dignidad y su tierra, es algo que no puedes sino tomar como una bendición. No hubo nadie que no estuviera deslumbrado por la fuerza del continente africano», expresó Ance.

«Fue una fiesta de la palabra, sin fronteras, de la comunidad de la poesía performática», concluyó Ance Jesús.

El World Poetry Slam Championship, es un evento de talla internacional que reunió a poetas de 40 países de los cinco continentes, durante 4 días.

La primera edición del campeonato mundial se celebró en Bruselas, Bélgica, en 2022, tras la pandemia por COVID-19. De acuerdo con Canuto Roldán, secretario del torneo, el evento surgió como una respuesta poética ante el aislamiento global.

“Aunque el movimiento ya tenía más de 10 años de impacto nacional, fue precisamente en pandemia cuando decidimos explorar nuestros enlaces con América Latina y el mundo a través de internet. Fue una forma de liberación en un momento de encierro”, comentó Roldán.

En 2023, la segunda edición se llevó a cabo en Río de Janeiro, Brasil, con gran éxito y más de 2,300 visualizaciones diarias en YouTube. Posteriormente, se llevó la competencia a un destino poco usual: Togo, África, donde se vivió una jornada poética cargada de emoción.

El Slam Poetry nació en los años 80 en Chicago, como un movimiento de expresión de la clase trabajadora, que llevó la poesía de los salones elitistas a los bares y cafés. A México llegó en 2005, consolidándose con colectivos en Morelos y el entonces Distrito Federal, hasta alcanzar una proyección nacional.

“La poesía puede suceder en cualquier parte a través de la boca de cualquier persona. Los actos poéticos están en el día a día”, expresó Roldán para El Heraldo de Juárez.

El próximo Campeonato Mundial de Slam Poetry se llevará a cabo en Sudáfrica en el 2026.

T/CO
F/Cortesía de SlamPoetry México

 

 

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El cine venezolano dice Play ball con el filme Caimanes de la galaxia

Desde mañana 12 de junio llegará a los circuitos comerciales de Venezuela el tercer largometraje de ficción del director, Ignacio Márquez, Caimanes de la galaxia, una propuesta que en su discurso busca resaltar la importancia del trabajo en equipo y la inclusión, y, al mismo tiempo, saldar parte de la deuda del séptimo arte criollo con nuestra idiosincrasia relacionada a la pasión indiscutible de esta población hacia el béisbol, considerado como el principal deporte del país pero muy poco reflejado no solo en el cine, sino en las diversas expresiones artísticas nacionales, con excepción de la música.

Caimanes de la Galaxia cuenta la historia de Carlos, un niño caraqueño que sueña con jugar en las “ligas intergalácticas”, un recurso narrativo creado inicialmente para evitar la asociación directa con las “ligas mayores”, pero que luego se convirtió, de acuerdo al realizador, en una especie de catalizador de la creatividad

Carlos, interpretado por Franklin Fernández, un joven pelotero que nunca antes había actuado, por cuestiones familiares se ve obligado a dejar su vida en la ciudad para mudarse a un lugar remoto al que llama Plutón, donde vive su abuela. Este cambio aleja al protagonista de su sueño de jugar en las ligas intergalácticas y además lo hace emprender un viaje personal que lo obliga a priorizar el trabajo colectivo por sobre su individualidad para levantar la moral y dignidad de un equipo con pocas probabilidades frente a otro formado por arrogantes talentos.

En conversación con el Correo del Orinoco, Márquez explicó que la intención inicial de este proyecto fue crear una película con chamos, para chamos, pero que pudiera conectar con padres, abuelos y la familia en general para tratar temas complejos como la violencia doméstica y la inclusión, por medio del béisbol como hilo conductor y elemento central de la historia.

Una profunda investigación

Luego de un año de exploración y búsqueda junto a la investigadora de larga trayectoria en temáticas para adolescentes en formato audiovisual, Sofía Salazar, Márquez consiguió articular un discurso que él califica como “disruptivo”, más cercanos a las formas de relacionarse de los chamos actuales con los lenguajes multimedia que a las fórmulas narrativas convencionales. Un lenguaje que se acerca incluso a la estética de los videojuegos, a juicio de un joven espectador luego de una proyección preliminar de la obra.

“Hay una lógica de construcción de la película que no es realista, y a lo mejor tiene que ver con eso (con las formas de los videojuegos)”. Por ejemplo, tiene “un diseño sonoro que es como una película que simula estar en la galaxia y no con sonidos reales. Los batazos no suenan a los batazos tradicionales. Hay un personaje que rompe la cuarta pared y habla a la cámara, por ejemplo. Hay una serie de elementos disruptivos que yo creo que tienen que ver con los chamos y su forma de relacionarse con las cosas. Están viendo un juego de béisbol, pero al mismo tiempo están con el celular. O están escuchando una canción y al mismo tiempo están hablando”, comenta el realizador.

En la película se juega con la ruptura narrativa y se toma distancia de una lógica narrativa lineal. Hay una serie de elementos que para mí son como lúdicos, que hacen que la película se ponga como al servicio de ellos”, de los chamos, agregó Márquez.

A decir del también guionista, fundamentar la configuración del filme desde una perspectiva lúdica con amplia libertad creativa para poder introducir elementos que pertenecen al cine convencional es la clave para conectar con el público adolescente desde la honestidad

“Y entonces, claro, dentro de la creación es muy sabroso tener ese rango de libertad. Y creo que eso lo da el hecho de dirigirte a un público que no solo te lo permite, además creo que te lo exige”, apuntó

El deporte y la tradición como protagonistas

Caimanes de la galaxia no utiliza al béisbol como simple vehículo para mover una historia. Por el contrario, el peso del deporte en esta iniciativa es tal, que se prefirió seleccionar a verdaderos jugadores de béisbol menor en lugar de actores. En total seleccionaron a cerca de 20 chamos de los cuales solo dos no practicaban béisbol en la realidad.

“En lugar de un asistente de dirección teníamos a un coach”, contó Ignacio Márquez a manera de broma. “Lo más complicado de armar, por un asunto de continuidad, fue el line-up. (orden al bate) Claro, porque se podía armar el line-up en términos dramáticos. Porque a veces, dramatúricamente, puedes tomar la licencia de poner un orden (al bate en este caso) que no es el real. Nosotros respetamos el orden del line-up, fuimos bastante rigurosos con el béisbol”, reveló

Tal es el rol protagónico del deporte en esta historia que un alto porcentaje del desenlace transcurre en un juego, pero en esta oportunidad, por la magia del cine, visto desde adentro del campo y no como se observa tradicionalmente un partido de béisbol en la televisión. Todas las jugadas, realizadas por peloteros reales, el espectador las verá como si estuviera en el diamante, desde el interior del campo de juego, en una experiencia inmersiva.

Referencias cinéfilas

Esa libertad creativa que tuvo en Caimanes de la galaxia le permitió además al autor introducir parte de sus referencias como espectador y amante del séptimo arte. Así, por ejemplo, el juego de desenlace es un guiño a la saga de Rocky que finaliza con un combate. Y también hay un homenaje a la película del mismo director, John G. Avildsen, Karate Kid, en la figura encargada de manejar a la novena del protagonista, una especie de Miyagi que además refiere un capítulo desconocido pero sumamente interesante del béisbol Venezolano.

Igualmente, de acuerdo al director, la música original realizada por el joven compositor Gabriel Delgado, en algunos fragmentos recuerda a la composición de NIno Rota en el tema principal de El Padrino.

Hasta se coló en este filme una influencia de la legendaria serie transmitida en Venezuela a principios de los 80 del siglo pasado, que tomó base en una película homónima, Los Osos Revoltosos, un equipo que tenía en su alineación, como pitcher, a una niña, que en el caso de Caimanes de la galaxia funciona además para cubrir el tema de la inclusión.

Homenajes

Esto se combina con homenajes al béisbol venezolano en detalles como los números de los jugadores del equipo del protagonista, todos correspondientes a destacadas figuras del deporte nacional. También se rinde tributo a estrellas de las Grandes Ligas, como al llamado filósofo del béisbol, Yogi Berra, de quien se replican célebres frases, precisamente en la voz de la figura equivalente a Miyagi. También se recuerda al legendario Jackie Robinson, primer afrodescendiente en jugar en las ligas mayores. Así mismo, números de jugadores relevantes de Grandes Ligas están en los dorsales del equipo antagonista.

Más allá de la pantalla, la producción de Caimanes de la galaxia recreó un campo de béisbol en Guarenas, donde se rodó la mayor parte de la película, en el cual dejaron un mural, también en homenaje a luminarias criollas del deporte como Baudilio Dïaz, Luis “Camaleón” García, Alfonso “Chico” Carrasquel, Luis Aparicio, Jesús Marcano Trillo, David Concepción, Antonio Armas, Oswaldo Guillén y César Tovar

Ignacio Márquez no dejó pasar la oportunidad de incluir en esta película un pasaje casi oculto, pero registrado, de la historia del béisbol de nuestro país. relacionada con el equipo Las Tres Estrellas, una novena formada en los años 60 del siglo XX en Guarenas, con la particularidad de ser, tal vez el primero en la historia del deporte venezolano, conformado solo por mujeres, novias de jugadores a los que incluso se atrevieron a retar a un duelo. El enfrentamiento fue rechazado por los varones, tal vez por temor a perder, bajo la excusa del temor a lesionar a las damas. Finalmente Las Tres Estrellas jugaron contra otro equipo femenino de Río Chico, aportó Ignacio Márquez.

T/Luis Jesús González Cova
F/Cortesía Amazonia Films
Privados de libertad recibirán programas educativos para facilitar su reinserción social

INCES y Ministerio Penitenciario impulsan reinserción social

En un esfuerzo por transformar el sistema penitenciario y facilitar la reinserción social, el Instituto Nacional de Capacitación y Educación Socialista (INCES) y el Ministerio de Servicios Penitenciarios han firmado un convenio estratégico.

Este acuerdo permitirá ofrecer 109 programas educativos adaptados a las particularidades de cada centro penitenciario en el país.

La iniciativa, detallada en una nota de prensa del INCES, contempla un proyecto piloto en cinco establecimientos carcelarios seleccionados. Aquí, se impartirá formación en Lengua de Señas Venezolana a través de la Misión José Gregorio Hernández, asegurando espacios inclusivos para personas con discapacidad dentro del sistema.

Estas acciones se enmarcan en el Plan de Redención del Proyecto Miranda, el cual promueve el cumplimiento de ocho horas diarias de actividades educativas, socioproductivas y de servicio.

Este plan reafirma el compromiso con un sistema penitenciario humanista, donde la educación y el trabajo son pilares fundamentales para la rehabilitación de los privados de libertad.

T/CO
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Clausuran Festival Internacional de Muralismo Ciudad Mural en Clarines

Como parte de las celebraciones en honor a San Antonio de Padua, santo patrono de Clarines, el gobernador del estado Anzoátegui, Luis Marcano, clausuró la VI edición estatal y II edición local del Festival Internacional de Muralismo Ciudad Mural, evento que se llevó a cabo desde el pasado 2 de junio hasta este sábado y transformó el casco histórico en una vibrante galería a cielo abierto.

Acompañado por 12 talentosos artistas locales, nacionales e internacionales, el mandatario regional entregó oficialmente las obras que ahora embellecen las calles San Antonio y Bolívar. En total, 15 murales impresionantes reflejan la identidad, historia y raíces culturales de la localidad, lo que consolida a Clarines como la “Ciudad Museo”.

El festival también rindió homenaje a Las Florecitas del Campo y ofreció una variada programación de actividades formativas, talleres, conversatorios, danza, pintura, fotografía, poesía y música, consolidándose como un espacio para el arte en todas sus expresiones.

“No vamos a descansar hasta que todas las calles de nuestro pueblo estén hermosas, bellas y llenas de cultura e identidad”, afirmó el gobernador Marcano, al destacar la transformación que ha vivido el municipio y el impacto positivo de esta iniciativa artística.

Asimismo, agradeció a los voluntarios y felicitó a los artistas por su contribución, además de señalar que durante 12 ediciones este festival ha llevado el arte a distintos pueblos del país, por lo que reafirmó el compromiso de fortalecer la cultura en cada rincón de Venezuela.

F/VTV
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Para el oboísta Miguel Rutigliano “Venezuela le debe al maestro Saglimbeni un gran homenaje”

El universo de la cultura venezolana despertó ayer con la muy nefasta noticia de la muerte del incalificable Rodolfo Saglimbeni, un excelso director musical y un verdadero gentleman, un caballero. De hecho, su trayectoria artística fue reconocida en 2014 con el título  de Caballero de la Orden de la Estrella de Italia. Pero esa condición trascendió los escenarios porque en lo personal también fue, como se dice en buen criollo, un tipazo a quien tuvimos el placer de conocer y entrevistar en varias oportunidades.

Fue un maestro de maestros que compartió sin mezquindad toda su experiencia y conocimientos, adquiridos en prestigiosas academias dentro y fuera de Venezuela, con las nuevas generaciones que desde hace varios años sostienen con sólidas bases el legado que él les entregó, como por ejemplo la maestra Elisa Vegas, actual directora titular de la Gran Mariscal de Ayacucho, orquesta que él fundó a finales de la década de los 80 del siglo pasado, o el maestro Daniel Gil, con quien compartió el podio en esta última etapa de su vida frente a la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas (OSMC), de la cual fue guía artístico y musical titular desde hace más de 20 años.

En una oportunidad el productor musical Álvaro Paiva Bimbo nos comentó, sin pudor alguno, que en su opinión el mejor director musical de Venezuela se llamaba Rodofo Saglimbeni. Muchos otros músicos nos confesaron que compartían esa opinión.

El dolor por su muerte se manifestó de manera profusa ayer en las redes sociales,

“Con el alma dolida, nos sumamos al duelo por la partida física del maestro Rodolfo Saglimbeni, una de las figuras más destacadas de la dirección orquestal en Venezuela y Latinoamérica”, escribieron en la cuenta oficial de Instagram de la Orquesta Sinfónica Venezuela

“Su vínculo con nuestra Orquesta fue cercano y sostenido: se desempeñó como Director Asociado de la Orquesta Sinfónica Venezuela, dirigiéndonos en numerosas oportunidades con esa mezcla única de rigor, sensibilidad y visión artística que lo caracterizaba.

“El maestro Saglimbeni no solo nos deja una obra musical admirable, sino también un ejemplo de generosidad, constancia y fe en el arte como herramienta de transformación”, agregaron en la publicación.

Por su parte, su orquesta actual la OSMC consideró que su legado musical y su entrega apasionada marcaron una época de excelencia y compromiso artístico que trascendió generaciones.

Reconocido internacionalmente, continúa la publicación en la cuenta de Instagram de la agrupación capitalina, no solo dirigió con maestría, “sino que también impulsó un proyecto artístico-social que enriqueció a nuestra comunidad musical y cultural. No solamente nos dejó un gran legado musical, sino también un invaluable legado humano, reflejado en su generosidad, dedicación y amor por la música y las personas que la hacen posible. Su memoria vivirá siempre en cada nota y en el corazón de todos los que formamos parte de esta gran familia sinfónica”.

Saglimbeni murió en la Clínica Ávila, donde era tratado por un cáncer de esófago que no le dejó mucho tiempo entre el diagnóstico y su partida. “Para mí, en particular, como uno de sus grandes amigos de la infancia es demasiado duro y triste”, comentó al Correo del Orinoco, Miguel Rutigliano, primer oboe de la OSMC, quien estudió junto al maestro Saglimbeni en el conservatorio Vicente Emilio Sojo de Barquisimeto desde finales de los años 60 del siglo pasado.

“Rodolfo, desde niño, demostró sus cualidades con un talento nunca visto en esa época. En las clases de solfeo era un espectáculo ver cómo podía detectar todos los acordes que el maestro de solfeo tocaba al piano, su oído que era totalmente absoluto, su talento era de los pocos vistos para la época, comenzó estudiando varios instrumento, ya de niño, tocaba acordeón junto a su hermano Luis Felipe Saglimbeni, cariñosamente Pepe, luego fue trompetista y pianista. Cuando el maestro José Antonio Abreu fue a Barquisimeto a crear las orquesta juveniles (Saglimbeni) fundó la primera orquesta juvenil de Lara”, recordó Rutigliano.

Al poco tiempo de aquello el trompetista comenzó a demostrar su talento para dirigir, durante algunos ensayos con orquesta juvenil de Lara. “Y fue muy evidente el super talento para esa difícil profesión que es la de director de orquesta sinfónica”, consideró el oboísta.

Más adelante se ganó, en la Orquesta Filarmónica de Caracas creada por Aldemaro Romero, el puesto de director asistente junto a Pablo Castellanos. Pero no se durmió en los laureles y con la necesidad de crecer musicalmente viajó a formarse en el Royal College de Londres, donde se graduó con las máximas notas.

Luego de una amplísima trayectoria en muchas orquestas de gran prestigio, su último trabajo fuera de Venezuela, fue con la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, en paralelo con la OSMC.

“El maestro Rodolfo Saglimbeni fue una persona muy buena, fue un gran activista de la música latinoamericana, de los compositores venezolanos, fue un gran patriota, en mi caso fue mi mejor amigo de niño y seguirá siendo mi mejor amigo, hasta que Dios nos reencuentre para seguir compartiendo nuestra amistad y la música. Venezuela le debe al maestro Saglimbeni un gran homenaje, porque no todos los días fallece una persona que ha dado tanto por un país. Paz a su alma, y siempre lo tendremos como el mejor amigo, el mejor maestro y uno de los mejores venezolano que ha dado la patria”, consideró Miguel Rutigliano.

Por su parte, la concertino de la OSMC, María Fernanda Montero, lo tiene a Saglimbeni como “una maravilla de músico”, con una amplia capacidad de estudio y comprensión de la música marcadas por “su infinita curiosidad que cada día lo hacía más sabio. Te podría hablar también de su impecable técnica, su amplio repertorio, en fin, de muchas cosas que la mayoría también dirá. Pero desde lo más profundo de mi corazón lo que más tengo presente y será así para siempre, es a un ser humano excepcional. Mi amigo, mi alma gemela en la música, una persona que le dió un sentido especial a mi existencia y a quien extrañaré cada día”, comentó la violinista.

Montero, fundadora del programa de iniciación musical Los Colores de la Música, tuvo la oportunidad de atender en esta propuesta a las hijas de Saglimbeni, posición que además le permitió conocer parte de su dimensión como padre.

“Fuí testigo también de esa faceta de padre amoroso y consentidor, de su ternura con los niños, porque su alma también era así de cristalina como la de un niño”, agregó Montero.

Entre tanto, la maestra Elisa Vegas recordó en su cuenta de Instagram que el maestro Rodolfo no solo fue una referencia musical, sino también un apoyo invaluable para quienes hicieron vida dentro de la Gran Mariscal de Ayacucho, que además de fundar dirigió desde 1989 hasta 2002, lapso que, con su sensibilidad artística y humana, le permitió marcar la identidad de esa institución.

“Su huella sigue viva en muchos de nuestros músicos actuales, quienes comparten a diario anécdotas y aprendizajes con las nuevas generaciones, manteniendo vivo su legado artístico y humano.

“Gracias, maestro Saglimbeni, por tus enseñanzas, por tu pasión inagotable por la música y por el legado que sembraste en nuestra institución. Gracias por mostrarnos, en cada ensayo y en cada movimiento de tu batuta, que la música puede transformar, emocionar y trascender. Gracias, maestro Rodolfo, por haber sido parte fundamental de nuestra historia. Vuela alto, y que tu batuta siga dirigiendo grandes orquestas desde donde estés”.

T/Luis Jesús González Cova
F/Archivo CO
Poesía

Venezuela acoge del 14 al 20 de julio la 19.ª edición del Festival Mundial de Poesía 2025

Este 2025 se realizará la 19.ª edición del Festival Mundial de Poesía de Venezuela, del  14 al 20 de julio, en homenaje a la poeta Belén Ojeda, bajo el lema «Lugar de permanencia», y contará con la participación de más de 40 poetas de cuatro continentes: América, África, Asia y Europa y 200 poetas nacionales desplegados en varias actividades en todo el país.

El festival realizará más de seis  recitales nocturnos en el Teatro Bolívar de Caracas y más de 100 actividades en 20 estados del país: Talleres, recitales, conversatorios, presentaciones de libros en bibliotecas, liceos, teatros, casas históricas, Librerías del Sur, universidades y Celarg.

En la ciudad de Caracas, tendrás las locaciones en Teatro Bolívar con recitales nocturnos, Librerías del Sur del Teatro Teresa Carreño, San Agustín (sector Afinque de Marín), Casa Nacional de las Letras Andrés Bello, PDVSA La Estancia, espacios no convencionales de atención a abuelos y abuelas y Venezolana de Televisión.

La poeta venezolana Belén Ojeda es músico, traductora y poeta. Egresada del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú que ha publicado los poemarios: Días de solsticio (1995); En el ojo de la cabra; Territorios (2000); Graffiti y otros textos (2002) y Obra completa (2020). Traductora directamente del ruso de: Anna Ajmátova, Marina Tsvietáieva, Ossip Mandelshtam y Boris Pasternak.

F/VTV